Dopo il successo globale di Super Mario Bros. – Il film, diventato un fenomeno capace di superare il miliardo di dollari, il nuovo capitolo sceglie una direzione chiara: non replicare, ma espandere. E lo fa in tutti i sensi. Lo spazio non è solo un’ambientazione, è una dichiarazione d’intenti.
Il mondo di Mario si apre, si moltiplica, si frammenta in pianeti, percorsi, traiettorie. Ma soprattutto si allarga emotivamente, cercando di andare oltre la superficie ludica che lo ha sempre definito, portando Mario e Luigi oltre i confini del Regno dei Funghi in un viaggio che attraversa mondi, relazioni e identità.
L’ingresso di Yoshi, Rosalina e Bowser Jr. amplia l’universo e introduce nuove possibilità narrative, mentre il film dissemina riferimenti e citazioni che parlano direttamente al pubblico Nintendo. Senza entrare nei dettagli, c’è anche un piccolo segnale che guarda oltre: un’apparizione che arriva da un altro franchise spaziale della galassia Nintendo, suggerendo un futuro ancora più interconnesso.
Il cuore del film, però, sorprende e batte dove meno ci si aspetterebbe: in Bowser. Qui non è più solo antagonista, ma un personaggio in tensione, sospeso tra ciò che è e ciò che vorrebbe essere. Il suo tentativo di redenzione: fragile, incompleto, si infrange contro lo sguardo del figlio, Bowser Jr., che lo vuole esattamente per ciò che è sempre stato. E allora Bowser torna a distruggere, non per vocazione ma per necessità: per incarnare un ruolo, per essere all’altezza di un’immagine. È una dinamica sorprendentemente adulta, che introduce una riflessione implicita sull’identità: quanto possiamo davvero cambiare, se il mondo continua a chiederci di restare gli stessi?
Essere padre, in questo caso, significa incarnare un ruolo prima ancora che scegliere chi essere. Il risultato è un personaggio che torna inevitabilmente alla distruzione e alla conquista, non come semplice gesto da villain, ma come risposta a un’identità che non può essere disattesa. In controluce emergono anche momenti più fragili, legati al ricordo di una dimensione diversa, in cui la solitudine sembrava sospesa e la possibilità di avere degli amici, come Mario e Luigi, aveva trovato spazio.
Parallelamente, il film lavora con consapevolezza sulle figure femminili. Principessa Peach abbandona definitivamente ogni residuo di stereotipo e si muove in una dimensione più introspettiva: la ricerca delle sue origini la rende meno iconica e più umana, più vulnerabile, senza mai perdere la sua forza. Accanto a lei, Rosalina introduce una dimensione cosmica e protettiva, fatta di responsabilità e cura. Non c’è più alcuna dinamica da “principessa da salvare”, ma un equilibrio tra figure che agiscono, scelgono e combattono.
Al centro resta Mario, un eroe che non cambia ma si definisce meglio. Non salva per possedere, non ama per ottenere: è presente, costante, fedele. In un panorama che spesso associa l’eroismo al dominio o alla conquista, Mario rappresenta un modello diverso, fatto di presenza, sostegno e gratuità.
Visivamente, il film è un’esplosione controllata. Pianeti che sfidano la gravità, tunnel galattici, percorsi bidimensionali che citano l’8-bit: tutto contribuisce a costruire un linguaggio ibrido, in cui il cinema assorbe la grammatica del videogioco senza perdere chiarezza. L’avanzamento per livelli, l’alternanza tra esplorazione e scontro e la costruzione delle sequenze come veri e propri percorsi da attraversare rendono l’esperienza coerente con l’origine del materiale, senza rinunciare a momenti più leggeri e trasversali.
Sotto la superficie più immediata, il film costruisce un discorso chiaro: la collaborazione come unica possibilità di equilibrio, la condivisione come alternativa alla solitudine, la costruzione comune come risposta alla distruzione individuale. I personaggi diventano così microcosmi che si incontrano, si scontrano e si ridefiniscono, dando forma a un racconto che parla di relazioni prima ancora che di avventura.
In questo contesto, il lavoro di Brian Tyler è uno degli elementi più riusciti. La colonna sonora intreccia centinaia di riferimenti ai temi storici di Koji Kondo, fondendoli con nuove composizioni in modo fluido. Come dichiarato dallo stesso compositore, “dovevo trovare un equilibrio tra la familiarità cara ai fan, lo sviluppo della trama e la creazione di un panorama musicale che fosse al tempo stesso nostalgico e innovativo”, e proprio in questo equilibrio la musica accompagna l’espansione del racconto senza perdere identità.
Super Mario Galaxy – Il film è un’evoluzione coerente, capace di mantenere intatto il senso del gioco e allo stesso tempo di aprirsi a una dimensione più ampia, in cui i personaggi trovano nuove possibilità di definizione. È un film che sceglie l’esperienza, il movimento, la relazione tra i personaggi, e sotto il divertimento lascia emergere un messaggio semplice ma netto: vince chi collabora, chi condivide, chi costruisce insieme. Chi resta chiuso nell’odio e nella solitudine, è destinato a perdere.
È un sequel che alza la posta in gioco, più frenetico e più ambizioso, ma anche più consapevole. Un film che non rinuncia al gioco e proprio per questo prova, a modo suo, a crescere.
Distribuito da Universal Pictures Italia, dal 1 aprile al cinema.
Federica Guzzon
